Выставка латиноамериканского искусства в Каштелу Бранку

В течение целого года (13 октября 2013 – 13 октября 2014) в городе Каштелу Бранку экспонировалась беспрецедентная по своим масштабам выставка латиноамериканского искусства из собрания Берарду. Эта выставка стала первой по счёту, организованной в новом Центре Современной Культуры, название которого на родном португальском звучит более органично – CCCCB (Centro de Cultura Contemporânea de Castelo Branco). Вместе с презентацией выставки состоялось и открытие самого Культурного Центра.

 

В качестве презентационного полотна выставки была выбрана работа чилийского сюрреалиста Роберто Матта «Сторож, Сколько ночи?». Однако, глядя на картину сложно было себе вообразить, какое разнообразие художественных стилей, характеров мастеров и взглядов на мир предстанет перед нами в залах выставочного центра.

 

1 - CCCCB - Centro de Cultura Contemporânea de Castelo Branco

 

Несмотря на то, что была выбрана очень обширная, ёмкая и неоднородная тема – «Искусство Латинской Америки», организаторам удалось добиться эффекта «погружения» зрителей в заокеанский художественный мир, бегло, но при этом детально познакомив с ярчайшими его проявлениями. Был представлен широкий пласт латиноамериканского искусства XX и XXI веков, включающий произведения живописи, скульптуры и фотографии. Художниками оказались представители практически всех стран Латинской Америки, в числе которых были замечены: Бразилия, Мексика, Чили, Аргентина, Куба, Багамские острова, Уругвай, Венесуэла, Перу, Колумбия, Панама, Никарагуа, Эквадор, Сальвадор, Гаити, Боливия, Гондурас, Гватемала, Коста-Рика, Пуэрто-Рико, Доминиканская Республика, Парагвай.

 

2 - CCCCB - Centro de Cultura Contemporânea de Castelo Branco

3 - CCCCB - Centro de Cultura Contemporânea de Castelo Branco

 

Произведения, присутствовавшие на выставке, как и само собрание Берарду в целом (что весьма симптоматично), не отражали какой-либо концепции, а являли собой лишь эстетические воззрения и вкусы коллекционера. Зрителю не было предложено ни хронологической линии, ни стилистической, технической или идейной дифференциации. Скорее, это был набор отдельных, независимых высказываний разных художников, выходцев из разных стран Латинской Америки, об эпохе, окружающем мире и действительности, социальных проблемах общества и геополитической ситуации, роли искусства и месте художника в сложившихся условиях. Не связанные между собой «крики души» мастеров, с одной стороны, сливались в общее представление о художественном и общественном мире Латинской Америки XX и XXI веков, с другой стороны, в полной мере раскрывали индивидуальность каждого из художников, показывая их яркие личности, их оригинальные рассуждения об искусстве и неповторимые художественные языки.

 

4 - CCCCB - Centro de Cultura Contemporânea de Castelo Branco

4_1 - CCCCB - Centro de Cultura Contemporânea de Castelo Branco

 

В рамках сравнительно короткого временнóго промежутка длительностью в 79 лет, который можно было наблюдать на экспозиции (самое раннее произведение на выставке датируется 1930 годом, самое позднее – 2009-м), были представлены современное и актуальное искусство Латинской Америки, а также отголоски искусства доколумбовой эпохи. От зала к залу, от экспоната к экспонату зрители перемещались от монументальных полотен к бесформенным инсталляциям, от пейзажей, детали которых были выписаны с точностью архитектурного чертежа, к холстам с приклеенными перьями, стёклышками и кусками разноцветной пластмассы. Перед глазами возникали гипертрофированные персонажи пуританских ценностей и выставленные напоказ гениталии, изысканные контрапосты, будто бы сошедшие с классических полотен, караваджистские светотени и экспрессионистически размазанная краска по холсту. Имена художников также были разными: бок о бок присутствовали общепризнанные мэтры мировой величины и совсем неизвестные широкой аудитории мастера.

За время полуторачасовой прогулки по двум этажам Центра Современной Культуры на зрителя обрушились сюрреализм, поп-арт, постмодернизм, гиперреализм и модернизм во многих его проявлениях, многократные отсылки к европейскому искусству и обращения к национальным мотивам.

 

5 - CCCCB - Centro de Cultura Contemporânea de Castelo Branco

 

Коллекция Берарду

Как и многие другие коллекции произведений искусства, собрание Берарду неразрывно связано с личностью коллекционера – Жозе Мануэла Родригеша Берарду.

 

Один из самых богатых людей Португалии, бизнесмен, инвестор, венчурный капиталист, страстный любитель искусства и меценат, он широко известен под именем Джо Берарду. Периодически его сравнивают с Галустом Гюльбекяном XXI века, и, в самом деле, личность Берарду играет далеко не последнюю роль в мире современного арт-рынка.

Коллекционированием Жозе Берарду заинтересовался рано, совсем ещё в юном возрасте. Описывая перипетии своей биографии (которая стороннему человеку может показаться чем-то вроде невероятного сюжета из бразильского сериала), он любит вспоминать о своём первом арт-приобретении в далёком 1969 году – плохонькой репродукции «Джоконды» Леонардо да Винчи, найденной им в мебельном магазине Йоханнесбурга.

 

6. Fernando Botero. Male Torso, 1992
Fernando Botero
Male Torso, 1992

7. Walter Goldfarb. Rosa Oceanica Lisérgica, 2007
Walter Goldfarb
Rosa Oceanica Lisérgica, 2007

 

Жозе Берарду известен тем, что, выбирая новые произведения для своих коллекций, он руководствуется исключительно своим вкусом, но никогда не инвестиционной выгодой. Он не перепродаёт экспонаты, поэтому его коллекции постоянно пополняются и увеличиваются в размерах, сохраняя уже сложившееся собрание единым.

 

В сферу художественных интересов Жозе Берарду входит современное и актуальное мировое искусство, то есть искусство XX-XXI веков. На данный момент его собрание составляет несколько ключевых коллекций: Музейная Коллекция Берарду, Коллекция Современного и Актуального искусства (продолжение Музейной коллекции Берарду), Коллекция постеров Эрнешту де Соузы, одна из крупнейших частных Коллекций португальской керамической плитки Азулежу, Коллекция искусства Рекламы начала ХХ века, Коллекция традиционной португальской Керамики XIX – начала ХХ века, Коллекция предметов Арт-Деко, Коллекция современной каменной Скульптуры Зимбабве. Помимо этого, Ж. Берарду является учредителем нескольких музеев и садово-парковых ансамблей на территории Португалии.

 

8. Guillermo Trujillo. Sem título, 1998. Фрагмент.
Guillermo Trujillo
Sem título, 1998. Фрагмент.

 

Для временной выставки латиноамериканского искусства в городе Каштелу Бранку были выбраны произведения из Музейной коллекции Берарду. Эта коллекция на данный момент насчитывает более 1000 работ, авторства более 500 художников. Часть коллекции, а именно 862 работы, практически постоянно находится на различных временных выставках по всему миру; остальные произведения можно увидеть в Музее Берарду – выставочном пространстве Культурного центра Белена в Лиссабоне.

 

9. Jose Antonio Velásquez. Sem título (San Pedro Sula), 1971. Фрагмент.
Jose Antonio Velásquez
Sem título (San Pedro Sula), 1971. Фрагмент.

 

Музейная коллекция Берарду представляет собой собрание работ международного современного и актуального искусства XX и XXI веков. Она охватывает период около 100 лет: самой ранней работой является «Женская голова» Пабло Писассо, 1909 года; далее включены все основные художественные движения и стили XX и XXI веков, а самыми поздними и крайними работами выступают произведения наших с вами современников. Среди самых значительных и известных широкой публике художников, работы которых попали в коллекцию, можно выделить Пабло Пикассо, Марселя Дюшана, Казимира Малевича, Пита Мондриана, Фрэнсиса Бэкона, Энди Уорхола, Ива Кляйна, Виллема де Кунинга.

В качестве цели коллекции можно рассматривать формирование интернационального обзора искусства XX-XXI веков, однако, её создатели утверждают, что не ограничивают себя какими-либо рамками или категориями.

 

10. Hervé Télémaque. Hélice, 1967. Фрагмент.
Hervé Télémaque
Hélice, 1967. Фрагмент.

 

Латиноамериканское искусство

Прежде чем перейти к обзору выставки, следует немного познакомиться с искусством Латинской Америки и его основными чертами.

 

Говорить общо о «латиноамериканском искусстве» довольно сложно: это понятие включает в себя разные и часто несвязанные между собой явления, объединённые исключительно по географическому принципу. Называть искусством Латинской Америки принято искусство, созданное, либо на территории стран Латинской Америки, либо художником, ассоциирующимся с этим регионом. Поэтому установление общих рамок, характеристик, а также дифференциальных периодизаций является некорректным.

 

11. Roberto Matta. Watchman, What of the Night?, 1968. Фрагмент.
Roberto Matta
Watchman, What of the Night?, 1968. Фрагмент.

 

Однако в связи с историческими событиями, затронувшими этот регион, в формировании искусства выделяют три отдельных стадии, через которые, так или иначе, прошли все страны Латинской Америки. Ими являются: доколумбовое искусство, искусство колониальной и постколониальной эпох.

 

Период, который заканчивается с прибытием Христофора Колумба в Америку, называется «доколумбовым» искусством. Для него характерны пантеистические темы. Местные жители, которые никогда не видели «белого человека», изготавливали объекты искусства, изображающие природу и природные явления, почитаемых божеств, одежду, керамику и другие личные вещи. Видное место занимали «вымышленные миры», перенесённые на реальную поверхность.

 

12. Oswaldo Guayasamín. Retrato del Artista Chávez Morado, 1960. Фрагмент.
Oswaldo Guayasamín
Retrato del Artista Chávez Morado, 1960. Фрагмент.

 

Следующим этапом был колониальный период, продлившийся несколько столетий. На колонизированных территориях стали доминировать европейские языки искусства, движения, стили и вкусы Старого Света, абсолютно при этом подавляя любые художественные проявления коренных народов. Произведения искусства этого времени не обладают ярко выраженной самобытностью, не являют художников с характерным почерком, и, как будто, застывают во времени, мелькая одинаковостью. Порой, происхождение той или иной картины можно было определить только по изображённому на ней пейзажу или другим достопримечательностям местности.

 

13. Armando Mariño. La Duda del Copista, 1998
Armando Mariño
La Duda del Copista, 1998

 

Колониализм оказал сильнейшее (часто – негативное) воздействие на страны Латинской Америки, в том числе в культурной сфере. Кризис идентичности долго нависал над местным населением, задействованным в художественном процессе, и не мог быть преодолён даже после избавления от гнёта. Говорить о латиноамериканском искусстве как о самодостаточном явлении стало можно лишь с середины XX века, когда было положено начало новому этапу – постколониальному периоду.

Однако новый этап в определении латиноамериканского искусства совпал с процессом глобализации, что привело, во-первых, к интернационализации художественных кружков, во-вторых, к космополитизации самих художников. А это, в свою очередь, значительно затруднило национальную идентификацию. Тем не менее, постколониальный период, продолжающийся и по сей день, позволил на равных правах вступить латиноамериканскому искусству на мировую арену арт-пространства и заявить о себе самобытными произведениями современного и актуального искусства и яркими личностями художников.

 

14. Ricardo Davila. Páramo del Antisana, 1999. Фрагмент.
Ricardo Davila
Páramo del Antisana, 1999. Фрагмент.

 

Обзор выставки латиноамериканского искусства в Каштелу Бранку

Поскольку в русскоязычной историографии современное и актуальное искусство Латинской Америки представлено слабо и однобоко, имена многих из экспонируемых на выставке художников вряд ли вам что-нибудь скажут. Поэтому вне зависимости от степени известности авторов, мы постараемся поближе рассмотреть самые интересные и выделяющиеся по тем или иным причинам работы.

 

Произведения искусства на выставке были расположены тематически, по странам. И начнём мы наш обзор с Мексики, как бы странно это не звучало, самой близкой страны для России и постсоветского пространства. Во многом это связано со сходными революционными идеями и пропагандистским искусством первой половины двадцатого века; к тому же некоторые выдающиеся мексиканские художники не раз посещали СССР и даже создавали там произведения искусства.

 

В течение XX века латиноамериканское искусство становилось более независимым. Решающую роль в этом сыграли события в Мексике 1910-1917гг. – революция и гражданская война, которые послужили толчком к созданию нового направления в искусстве – монументальной живописи. Новый стиль молниеносно завоевал успех, и долгое время оказывал сильное влияние на творческую деятельность во всей Латинской Америке.

Монументальная живопись, выполнявшая скорее идеологическую, нежели эстетическую функцию, должна была стать массовым искусством, она должна была повести за собой народ, а, следовательно, ей необходимо было разговаривать на понятном и доступном изобразительном языке даже для необразованного человека. Монументализм обращался к истории коренного народа, его доколумбовому прошлому, темам независимости от европейского доминирования и господства, создавая новую социальную утопию, которую хотел видеть народ, и которой он верил.

 

На выставке были представлены три выдающихся художника-монументалиста: Давид Альфаро Сикейрос и Диего Ривера со станковыми работами «Голова старухи» (1968) и «Обнажённая с цветами» (1944); и Руфино Тамайо с монументальным полотном «Земля Обетованная» (1963).

 

15. David Alfaro Siqueiros. Cabeza de Anciana, 1968
David Alfaro Siqueiros
Cabeza de Anciana, 1968
16. Diego Rivera. Nardos (Nude with flowers / Nu com flores), 1944
Diego Rivera
Nardos (Nude with flowers / Nu com flores), 1944

17. Rufino Tamayo. La Tierra Prometida, 1963
Rufino Tamayo
La Tierra Prometida, 1963

 

Позднее в Мексике стали активно развиваться и другие художественные направления, где мастера обращались как к национальному наследию, так и к европейским эстетическим традициям.

Художника Рафаэла Коронела не интересовало идеологическое искусство и искусство масс, своё внимание он направлял на простого, обыкновенного человека, пытаясь в своих картинах показать его личность, раскрыть индивидуальность, заглянуть во внутренний мир. Примером такой работы является «Старик из Пантитлан» (1979), где заметно влияние испанского барокко, в частности Караваджо и Веласкеса.

 

Совершенно в другом свете предстаёт Алехандро Колунга. Очарованный сюрреализмом и мексиканским народным искусством, он сумел развить собственный изобразительный язык. В работе «Слон Райо Х» (1992) художник говорит с нами аллегориями: противопоставляя древнюю легенду из мексиканской народной культуры католическому наследию, он в своеобразной манере возвышает культ смерти и прославляет устные и изобразительные традиции Мексики.

 

18. Rafael Coronel. El Viejo del Pantitlan, 1979
Rafael Coronel
El Viejo del Pantitlan, 1979
19. Alejandro Colunga. Elephant Rayo X, 1992
Alejandro Colunga
Elephant Rayo X, 1992

 

К середине ХХ века некоторые латиноамериканские художники стали полноправными участниками международных авангардистских стилей, где особенно почитались за исконные, национальные мотивы.

 

Получив огромный, многолетний художественный опыт в Европе, Хоакин Торрес-Гарсиа вернулся в родной Уругвай в 1934 году, где стал самым серьёзным новатором своего времени. Положив в основу теории кубизма и неопластицизма, он основал Объединение Искусства Конструктивизма, что дало начало движению конструктивизма в Уругвае. Синтезировав черты современного европейского искусства и доколумбовой культуры, Хоакину Торрес-Гарсиа удалось развить собственный изобразительный диалект и стилизованную иконографию, которые по всеобщему признанию стали узнаваемым латиноамериканским живописным кодом. Представленная на выставке работа «Конструктивное затенение» (1930) была создана одной из первых в стиле, полностью развитом позднее.

 

Эдуардо Кингмэн, эквадорский художник, был представлен на выставке двумя работами «Патио» (1965) и «Пара» (1979), на которых выразительно показана главнейшая тема его творчества. Он выступал в защиту прав угнетённых коренных народов его родной страны – Эквадора, выражая свою активную позицию, будучи общественным деятелем, писателем и художником. Изображая пронзительные образы, он сочувствовал им, тем самым наделяя свои произведения необычайной силой, которую без сомнения должны почувствовать зрители. Обращаясь к темам страдания, боли, унижения, выживания, он нарочито гипертрофировал фигуры персонажей, делая их приземистыми, с непропорционально крупными руками, используя эти средства в качестве метафоры выносливости и силы.

 

Совершенно другие чувства возникают, глядя на картину другого эквадорского художника Рикардо Давила «Парамо Антисана» (1999). На ней автор поглощён природой и любуется ей, в изображении использует смешанную технику, где прослеживается влияние импрессионизма.

 

20. Eduardo Kingman. Patio, 1965
Eduardo Kingman
Patio, 1965
21. Eduardo Kingman. Pareja, 1979
Eduardo Kingman
Pareja, 1979

22. Ricardo Davila. Páramo del Antisana, 1999
Ricardo Davila
Páramo del Antisana, 1999

 

Так или иначе, многие латиноамериканские художники черпали своё вдохновение в искусстве Европы: современном и классическом. В картине «Портрет художника Чавеса Морадо» (1960) эквадорца Освальдо Гайасамина заметно влияние немецкого экспрессионизма; в работе «Без названия» (1998) панамского художника Гильермо Тружилло прослеживаются черты пуантилизма и кинетического искусства; Олга Синклаир, художница из Панамы, в «Мысли спортсмена» (2002) обращается к классическому формообразованию.

 

23. Oswaldo Guayasamín. Retrato del Artista Chávez Morado, 1960
Oswaldo Guayasamín
Retrato del Artista Chávez Morado, 1960
24. Olga Sinclair. Pensamiento de Atleta, 2002
Olga Sinclair
Pensamiento de Atleta, 2002

25. Guillermo Trujillo. Sem título, 1998
Guillermo Trujillo
Sem título, 1998

 

Бенжамин Каньяс считается одним из самых выдающихся художников Сальвадора. Его работа «Триптих» (1974) представляет три изображения с тремя отдельными сценами смерти Христовой. В своей излюбленной манере, сильно подверженной влиянию сюрреализма, автор преподносит свою собственную интерпретацию последних моментов жизни Иисуса Христа, напоминающую скорее кошмарный сон, нежели библейский сюжет.

 

26. Benjamin Cañas. Triptych, 1974
Benjamin Cañas
Triptych, 1974

 

В этом же зале был представлен Фернандо Ботеро, как он сам себя называет «самый колумбийский художник Колумбии». Он является одним из самых знаменитых, узнаваемых, дорого продаваемых ныне живущих художников Латинской Америки. Вот уже более пятидесяти лет он работает в созданном им самим стиле, который критики называют «ботеризмом». Как говорит сам Ботеро, на его изобразительную манеру в большей степени повлияли итальянский ренессанс и испанское барокко во времена его обучения живописи во Флоренции, а также латиноамериканское народное искусство. Кроме того, в его работах, несомненно, чувствуются прямые отсылки к наивному искусству и примитивизму.

 

Фирменный стиль Ботеро заключается в изображении предметов и фигур, неестественно увеличенных в объёме. Он словно воздушные шарики надувает свои вот-вот норовящие лопнуть персонажи, которыми выступают люди, животные, предметы. Главные персонажи занимают доминирующее положение на холсте, в то время как окружающее их пространство наоборот сжимается. По легенде Ф. Ботеро изобрёл такую манеру письма случайно. Это произошло, когда он работал над «Натюрмортом с мандолиной», и музыкальный инструмент получился неожиданно неправильной формы. Но это ничуть не расстроило художника, а, напротив, подтолкнуло к экспериментам с пропорциями и размерами.

 

27. Fernando Botero. Family Scene, 1969
Fernando Botero
Family Scene, 1969
28. Fernando Botero. Family Scene, 1969. Фрагмент.
Fernando Botero
Family Scene, 1969. Фрагмент.

 

К характерным чертам «ботеризма» также следует отнести яркие цвета и уплощенные формы, берущие корни из латиноамериканского фольклора и примитивизма. Представленная на выставке картина «Семейная сцена» (1969) является типичным примером изобразительного языка Фернандо Ботеро. Однако, наряду с художественными средствами, не менее значимой для автора является нарративная и репрезентативная сторона его произведений.

 

В «Семейной сцене» лицо каждого из человеческих персонажей представляет собой застылую, абсолютно ничего не выражающую маску, повторяющуюся в каждой из работ художника. Глаза, всех без исключения, похожи на стеклянные бусины и также лишены любых проявлений эмоций; взгляды направлены в разные стороны, но совсем не похоже, что члены семьи куда-то смотрят. Фигуры персонажей размещены вплотную друг к другу, но в этом чувствуется искусственность. Портрет семьи напоминает скорее натюрморт из обособленных яблок, явившихся в человеческом обличии.

Этот художественный приём в полной мере раскрывает трагизм и социальную критику, которых добивается автор в большинстве своих произведений.

 

29. Fernando Botero. Family Scene, 1969. Фрагмент.
Fernando Botero
Family Scene, 1969. Фрагмент.
30. Fernando Botero. Family Scene, 1969. Фрагмент.
Fernando Botero
Family Scene, 1969. Фрагмент.

 

Поскольку Фернандо Ботеро родился в неблагополучном городе Меделине и рос в течение чрезвычайно сложного периода колумбийской истории, его произведения искусства часто имеют политический акцент и направлены на критику власти в любых её проявлениях: государственный аппарат, церковь, армию и прочее. Помимо живописных полотен художник создаёт монументальные скульптуры в свойственной ему манере объёмных форм. Чаще всего они так же, как и живописные полотна, на первый взгляд кажутся комичными или сатирическими, и только при детальном рассмотрении становится ясен их трагический подтекст.

 

Монументальная скульптура «Мужской торс» (1992), экспонировавшаяся во время выставки перед зданием Центра Современной Культуры в Каштелу Бранку, в отличие от большинства скульптур автора с первого взгляда производит устрашающий эффект. Огромный мужской торс, лишённый головы, рук и ног сначала ошарашивает своими пропорциями. Затем в торсе угадываются черты лица: прищуры глаз, взирающие свысока, стиснутый рот, напряжённые скулы, поджатый подбородок. Слияние крепкого тела, раздутого мышцами, и пугающе-злобного выражения лица олицетворяет жестокость и хладнокровие представителей силовых структур, к примеру, армии и различных представителей власти, в чьих руках власть – тоже сила.

 

31. Fernando Botero. Male Torso, 1992
Fernando Botero
Male Torso, 1992
32. Fernando Botero. Male Torso, 1992
Fernando Botero
Male Torso, 1992

 

Другой представитель Колумбии – Хуан Кардеас. Его работа «Художник и модель» (1998) является автопортретом, решённом в типичном для него стиле реализм. Эта картина – одна из многих в цикле, где художник изображает себя, своих друзей и моделей, фокусируясь на своей личной, персональной истории, перенося её на холст.

 

Колумбиец Алехандро Обрегон – художник радикальных взглядов. Он открыто высказывался о необязательности, ненужности и неважности академизма в образовательном процессе художников. Несмотря на то, что он восхищался многими работами мастеров старой школы, он никогда не признавал их влияния на своё творчество. Главным образом Обрегон работал в стиле фигуративного экспрессионизма. На выставке была представлена его работа «Тигр убил Игуану», 1961.

 

Жерадо Чавес, художник из Перу, за время творческого пути поменял метод репрезентации с реалистического на сюрреалистический. Среди своих коллег он выделялся разработанной им изобразительной техникой – рисованием маркерами на холсте. Представленная картина «Vogteren Fro Fortides Kaos» (1997) с босховским сюжетом – яркий пример его художественного языка.

 

33. Juan Cardenas. Pintor y su Modelo, 1998
Juan Cardenas
Pintor y su Modelo, 1998

34. Alejandro Obregon. Tigre Matando una Iguana, 1961
Alejandro Obregon
Tigre Matando una Iguana, 1961
35. Gerardo Chávez. Vogteren Fro Fortides Kaos, 1997
Gerardo Chávez
Vogteren Fro Fortides Kaos, 1997

 

Художником, представлявшим направление поп-арта, был Эрве Телемак, рождённый на Гаити. Он попал под сильное влияние работ Аршила Горки во время обучения в Нью-Йорке, а также в Париже открыл для себя творческий метод – коллаж – во время общения с сюрреалистами. С помощью различных материалов, техник и чужого опыта, он стремился выразить чувства в своих работах, передать динамику, как это хорошо видно в «Пропеллере» (1967).

 

Выделяющейся среди других была работа «Хорошие идеи» (2005) Нарды Алварадо – художницы из Боливии. Ряд рисунков фломастером, в упрощённой, наивной технике решён в стиле плакатов. На них изображены различные оригинальные и ироничные высказывания, некие подобия шарад, рекламных пародий, проиллюстрированных соответственно текстам. Художница приглашает зрителей принять участие в весёлой игре и расшифровать представленные картинки. «Хорошие идеи», как и многие другие её работы, обращаются к проблемам современного человека: городской жизни, территориям и странам, гражданству.

 

36. Hervé Télémaque. Hélice, 1967
Hervé Télémaque
Hélice, 1967

37. Narda Alvarado. Good Ideas, 2005
Narda Alvarado
Good Ideas, 2005

 

Николас Лейва, художник из Аргентины, прославился в первую очередь благодаря росписи индустриальных поверхностей: машин, одежды, мотоциклов, досок для сёрфинга. На выставке были представлены две его работы: «Святое семейство» (1999) и «Семь смертных грехов» (1999). В довольно странной, мрачной и тревожащей манере, явно приобретённой им во время росписи монументальных конструкций, он, используя грубые материалы (брезент, мешковину) и бросающие вызов цвета, поднимает волнующие его высокие темы о семье и социальном благополучии.

 

38. Nicolás Leiva. La Sagrada Familia, 1999
Nicolás Leiva
La Sagrada Familia, 1999

39. Nicolás Leiva. Las Siete Formas de Pecar, 1999
Nicolás Leiva
Las Siete Formas de Pecar, 1999

 

Одной из немногих представленных на выставке скульптур была работа «Три сидящие женщины» (1986) Франсиско Зуньиги, художника из Коста-Рики.

 

40. Francisco Zuñiga. Tres mujeres sentadas, 1986
Francisco Zuñiga
Tres mujeres sentadas, 1986

 

Провокационным характером выделялись работы художника из Кубы, Армандо Марино. Три его картины «Сомнение копииста» (1998), «Глубинное чтение абстрактной живописи» (1999), «El A-Verre-Ado» (1998) являются продолжением его серии работ, направленной на критику современного искусства. Изображая знаковые произведения западного современного искусства (такие, как «Большое стекло» Марселя Дюшана или «Женщину-ложку» Альберто Джакометти) и фигуру дикаря, подчёркнуто противопоставляя их, А. Марино показывает грань между «высоким» искусством и «низким», ниспровергая иерархическое деление. Таким образом, художник подчёркивает довлеющую роль теоретической базы, определяющей значение работ современных мастеров.

 

41. Armando Mariño. Lectura profunda de un cuadro abstracto, 1999
Armando Mariño
Lectura profunda de un cuadro abstracto, 1999
42. Armando Mariño. El A-Verre-Ado, 1998
Armando Mariño
El A-Verre-Ado, 1998

 

«Фигуры» (1948) кубинского живописца Марио Карреньо являют сочетание тем тропикализма, обнажённого женского тела и сказочной атмосферы. Наибольшее влияние на изобразительный язык он получил от главных монументалистов Мексики 40-х годов ХХ века.

 

Карлос Мерида родился в Гватемале, однако, в раннем возрасте переехал в Европу, где познакомился с разными известными художниками. После возвращения на родину, в попытке найти аутентичное «американское искусство», стал со-основателем про-индийского движения. От фигуративного стиля отошёл к экспериментам с сюрреализмом и другими модернистскими течениями. В поздней живописи развивал связь между миром Майя и геометрическими элементами, как можно заметить в представленной работе «Совет» (1944).

 

43. Mario Carreño. Dos Figuras, 1943
Mario Carreño
Dos Figuras, 1943
44. Carlos Cruz Mérida. La Conseja, 1944
Carlos Cruz Mérida
La Conseja, 1944

 

Карлос Коломбино считается одним из самых значимых представителей современного искусства в Парагвае. Работа «Маршал авиации, Вседержитель» (1967) является характерным примером техники, в которой главным образом работал художник. Изобретённый им самим «ксило-пэйнтинг» (или «лино-кат пэйнтинг») состоит из техники гравюры на дереве, наделяемой полихромным эффектом, и рисования прямо на получившейся поверхности.

 

Дарио Суро считается одним из новаторов изобразительного искусства в Доминиканской Республике. В начале своей карьеры он был близок к идеям импрессионизма, но после поездки в Мексику резко поменял свой стиль. Под сильнейшим воздействием мексиканского националистического духа, он создал связанный с доминиканским видением новый вид живописи под названием «Негроид», имевший аналог лишь в доминиканской литературе того времени, а именно, в поэзии его брата Рубена Суро. В этой живописи художник поднимал расовые вопросы, а также необходимость обращения к наследию истинных корней.

В 1950-х гг. Суро работал в манере, предвосхищавшей поп-арт, в 1960-х гг. ему был присущ абстрактный экспрессионизм. Представленная на выставке работа «Кожа осени» (1973) относится к его эротическому периоду, длившемуся в 1970-х гг.

 

45. Carlos Colombino. Mariscal del aire, o Pantocrator, 1967
Carlos Colombino
Mariscal del aire, o Pantocrator, 1967
46. Dario Suro. Piel de Otoño, 1973
Dario Suro
Piel de Otoño, 1973

 

Жозе Антонио Веласкес, родом из Гондураса, считается одним из значимых художников, работавших в стилистике наивного искусства. Одним из примеров его изобразительного языка является работа «Без названия (Сан Педро Сула)» (1971). Ж. Веласкес в своей живописи показывал вневременную красоту, тщательно разрабатывал композицию, прорисовывая детали, с одной стороны, реалистичные, с другой стороны, вымышленные, далёкие от академических правил.

 

47. Jose Antonio Velásquez. Sem título (San Pedro Sula), 1971
Jose Antonio Velásquez
Sem título (San Pedro Sula), 1971

 

Несколько следующих работ принадлежат авторам из Бразилии, многие из которых заслуженно занимают международные позиции в современном и актуальном мировом искусстве. На их творчество, как и на всю культуру Бразилии второй половины двадцатого и начала двадцать первого века в целом, оказало сильнейшее влияние движение Антропофагии. Это движение зародилось в конце 20-х гг. ХХ века, и поднимало вопросы о национальной идентичности. Основные его идеи были изложены в Антропофагическом (Каннибалистическом) манифесте 1928 года, автором которого был бразильский писатель Освалд ди Андради.

 

Нелсон Лейрнер имеет репутацию художника, чьи работы поднимают вопросы и вызывают на дискуссию. Для подобного эффекта он использует различные способы создания экспериментальных форм эстетического или поведенческого характера. В инсталляции «Эшторил Опен» (1999) можно заметить критику, полемику, иронию и юмор. Эта работа может трактоваться как неодобрение элитарности, ассоциирующейся со спортивным теннисом.

 

48. Nelson Leirner. Estoril Open, 1999
Nelson Leirner
Estoril Open, 1999

 

«Объект тела» (1999) бразильца Эрнесту Нету – инсталляция в привычной для этого художника манере создания мягких псевдо органических форм из эластичного материала.

 

49. Ernesto Neto. Body Object, 1999
Ernesto Neto
Body Object, 1999

 

Отталкивающая на первый взгляд работа «Кафельная кладка с горизонтальным надрезом» (1999) бразильской художницы Адрианы Варежау поднимает серьёзные проблемы, связанные с колониальным периодом в Бразилии и его последствиями. Изображённая кафельная плитка (азулежу) воплощает навязанную культуру. Разрез, открывающий внутренние органы, олицетворяет незаживающую рану, нанесённую колонизаторами коренному населению.

 

50. Adriana Varejão. Tilework with Horizontal Incision, 1999
Adriana Varejão
Tilework with Horizontal Incision, 1999

51. Adriana Varejão. Tilework with Horizontal Incision, 1999. Фрагмент.
Adriana Varejão
Tilework with Horizontal Incision, 1999. Фрагмент.

 

Несколько работ, которые были представлены на выставке, принадлежат авторству Уолтера Голдфарба, современного художника Бразилии. Среди них полотна: «Театры тела, после Карраччи, Микеланджело и Сада» (1999), «Сад Лизергиновых Лилий» (2009), «Лизергиновая океаническая роза» (2007). Основные темы его творчества – обращение к истории искусства и цитирование отдельных элементов, знаковых работ или целых направлений, а также исследование современной культуры. Его «лизергиновая» серия передаёт галлюциногенные чувства и видения, вызванные ЛСД.

 

52. Walter Goldfarb. Jardim dos Lírios Lisérgicos, 2009
Walter Goldfarb
Jardim dos Lírios Lisérgicos, 2009

53. Walter Goldfarb. Rosa Oceanica Lisérgica, 2007
Walter Goldfarb
Rosa Oceanica Lisérgica, 2007

 

Бразилец Эмилиу ди Кавальканти ярко выражает социальное и национальное самосознание в своих работах, в частности, в «Продавце Байи» (1956). Главной темой его живописи был народ и житейские сцены, а любимыми персонажами – бразильские темнокожие женщины. Используя красочные плотные цвета, он пытался передать «красоту экзотики».

 

Художник из Чили Марио Муруа развивал в своих работах концепцию «Canimagen» ( от слов Magic – магия и Image – изображение). Его картина «Без названия» (1987) была вдохновлена латиноамериканской культурой, а также миром грёз и фантазий, напоминающих доколумбовое искусство.

 

54. Emiliano Di Cavalcanti. Vendedora da Bahia, 1956
Emiliano Di Cavalcanti
Vendedora da Bahia, 1956
55. Mario Murua. Sem título, 1987
Mario Murua
Sem título, 1987

 

Традиция формализма в живописи латиноамериканских стран находит свое отражение в репрезентации пейзажей и портретов такого чилийского гиперреалиста, как Гильермо Муньос Вера, в частности, на представленной картине большого формата «Святая неделя в Севилье» (1998). Художник темой своего творчества сделал повседневную жизнь Испании, особое внимание уделяя религиозным традициям страны. Его технику можно назвать виртуозной; она включает в себя не только тщательную проработку текстур, но и традиционную подготовку холста, которая в свою очередь позволяет добиваться эффекта таинственной светящейся светотени (кьяроскуро).

 

56. Guillermo Munõz Vera. Semana Santa en Sevilla, 1998
Guillermo Munõz Vera
Semana Santa en Sevilla, 1998

 

Последний художник, на которого хочется обратить внимание – чилиец Роберто Матта, чья работа «Сторож, сколько ночи?» являлась презентационным полотном выставки латиноамериканского искусства в Каштелу Бранку.
«Наброски фигур» (1945) – это графический рисунок, выполненный карандашом и восковыми мелками на бумаге. На нём изображены типичные для художника фигуры сюрреалистических персонажей, которые он использовал во множестве своих картин.

Во многом стилистика Роберто Матты была вдохновлена европейским движением сюрреализма, с участниками которого он активно общался; те же, в свою очередь, его высоко ценили. Андре Бретон высказывался о работах Матты, как о высших точках сюрреалистического видения.

 

Рассматривая монументальное полотно «Сторож, сколько ночи?» (1968), можно проводить аналогии с «Герникой» Пабло Пикассо, по идеям и по их воплощению. Для названия картины была выбрана цитата из библейской книги пророка Исайи, стиха 11 из главы 21, в котором идумеи вопрошают иудейского пророка о том, долго ли им ещё страдать от гнёта ассирийцев (облекая свой вопрос иносказательно в: когда закончится ночь и наступит утро).

Матта в своей картине иллюстрирует кошмары нашей технологической цивилизации, подавая сюжет в галлюцинаторной, явно сюрреалистической форме, изображая красочное пространство, населённое роботами, автоматами, насекомыми, примитивными фигурами и сновидческими формами.

 

57. Roberto Matta. Figures Studies, 1945. Фрагмент.
Roberto Matta
Figures Studies, 1945. Фрагмент.

58. Roberto Matta. Watchman, What of the Night?, 1968
Roberto Matta
Watchman, What of the Night?, 1968

 
© Антонина Мартынюк
 
 


Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *